Quand j’ai rencontré Ahlem, je réfléchissais beaucoup à la dualité. Chaque fois qu’on écrit sur moi, on me colle cette étiquette : « artiste noire britanno-ghanéenne ». J’essayais de comprendre ce que représentait le trait d’union, puis je l’ai tout simplement supprimé. Je voulais que les montures soient une autre manière de se refléter soi-même. Je me souviens avoir vu beaucoup d’images de Malick Sidibé, de James Barnor, de Kwame Brathwaite, et même des photos de mes propres grands-parents prises dans le Ghana branché des années 1950 et 1960, en observant à quel point toutes les lunettes étaient élégantes. Avec ces images, j’avais toutes ces incroyables références ouest-africaines sur lesquelles m’appuyer.

C’est l’amour de documenter leurs proches au fil du temps. Il se transmet à travers l’objectif, avec cette fierté de leurs origines. C’étaient des innovateurs. Ils réfléchissaient vraiment au message de leurs pays d’origine, et leurs carrières auraient été si différentes s’ils étaient nés à mon époque. J’adore l’oncle James — c’est lui qui m’a dit de faire ma première exposition. Il m’a dit : « Nous sommes désormais commercialement viables en tant qu’artistes noirs. » Alors, quand je vois ces images, je pense simplement à ces esprits audacieux et créatifs qui photographiaient mes ancêtres, et à quel point tout était élégant.

J’ai fait beaucoup de recherches personnelles, en observant ce que les gens portent à Londres et ce que portent mes amis. Je me suis intéressé aux formes et aux tailles traditionnelles des années 60, époque de l’effervescence [au Ghana]. Je vis en 2025 : à quoi cela ressemble-t-il aujourd’hui ? Je voulais simplement y faire un léger clin d’œil, sans copier directement. Quelque chose d’un peu plus moderne, oversize mais léger. Je voulais créer une monture marquante pour Campbell Addy, et que la Campbell Addy 19 soit légèrement oversize et polyvalente, afin de pouvoir l’utiliser comme lunettes de lecture, à l’intérieur comme à l’extérieur.

Tout ce que j’achète et qui fait partie de ma vie quotidienne doit avoir plusieurs fonctions. Cela s’étend jusqu’au design de l’étui : je voulais qu’il ait une taille précise, pour pouvoir y transporter votre téléphone. Avant, j’avais des étuis lourds et encombrants que je ne sortais jamais avec moi. Mais avec ceux-ci, vous avez le joli étui souple qui se glisse dans le joli pochon, puis l’étui rigide que vous pouvez utiliser avec vos lunettes ou sans.

Ahlem m’a accordé une liberté totale, ce qui m’a quelque peu surpris. Je voulais m’assurer de respecter la confiance qu’elle m’accordait, en veillant à réfléchir à chaque aspect du design. Je voulais savoir que, si quelqu’un me posait une question, j’aurais la réponse.

Pour chaque modèle, il y a peut-être eu deux prototypes, que j’ai portés pendant environ un an. Je les emportais en vacances, sur les plateaux de tournage, je voyageais avec eux. Je voulais m’assurer qu’ils ne fassent pas mal aux tempes et qu’ils ne glissent pas. À un moment donné, j’ai décidé qu’ils étaient tout simplement trop grands : je ressemblais aux femmes de footballeurs du début des années 2000. Ils étaient adorables pendant un temps, mais je voulais créer quelque chose que les gens puissent porter tous les jours. Je ne voulais pas concevoir des lunettes que l’on range pour les grandes occasions.

Dix-neuf est mon nombre préféré — je suis né(e) le 19, mon frère aîné est né le 19. J’ai aussi écrit un poème, « 19 », pour Niijournal II, sur une période où je sombrais dans la psychose. Il parle du sentiment d’ostracisation, du fait d’être considéré comme différent, lorsque les gens vous voient en tant que personne noire et traversent la rue parce qu’ils ont peur. Ils ne savent pas que vous traversez en réalité une période très difficile. Le poème évoque ce que l’on peut ressentir dans un espace où son esprit nous trahit, où le monde nous trahit, en utilisant « 19 » presque comme un espace sûr. Cette collaboration est la première chose que j’ai réalisée dans le domaine du design, alors je voulais y apposer mon nom. Le cadre avait pour moi quelque chose de précieux, tel un petit accessoire délicat en or rose. L’idée est très personnelle. Le design est très personnel. Appelez-le simplement Campbell Addy 19.

Ce serait forcément « No Woman No Cry » de Christopher [Ofili]. J’étais très jeune lorsque [Stephen Lawrence was killed], mais l’énergie de cet événement a profondément marqué beaucoup de jeunes Noirs du sud de Londres. C’était quelque chose dont on avait forcément entendu parler, tant le traumatisme était grand. Voir cet événement représenté de cette manière — la façon dont [Ofili] a utilisé des matériaux non traditionnels, dont il a placé l’image dans les larmes, la personnification d’une émotion et l’application de la peinture en couches — m’a permis d’être plus expérimentale dans mes idées.

Oui, c’étaient des sentiments que je n’arrivais pas à exprimer avec des mots. Mais c’est ça, l’art, n’est-ce pas ? Il reflète son époque. Si l’œuvre est vraiment authentique, on se sent compris et entendu : « Ah, tu me comprends. » Ou encore : « Tu as libéré ou éveillé en moi des choses dont j’ignorais l’existence. »